ELLE︰一般大眾對於香港舞台劇界的印象，往往是距離很遠，或是有點陌生、甚至是神秘的，你們覺得為甚麼會有這種觀感？

阿杰︰我想是因為舞台劇的圈子很小，難免會予人「塘水滾塘魚」的印象，即是覺得觀看的人和製作的人都是同一個小圈子。甚至在行業中的，製作上我能用的來來去去其實也是同一班人，好像總是搞不起聲勢似的。

大欣︰近年其實相對改善了，記得十幾年前我剛剛畢業，那時不僅很少audition（遴選），而且都是偏向喜歡起用畢業於APA（香港演藝學院）的導演或演員，現在我覺得行內這種小圈子的現象是有慢慢改善的。

阿杰︰這亦關乎整個圈子近十年的確開放了很多，即是說有一些不是從事舞台表演的演員，例如電影或電視的，有更多渠道可以參與舞台劇。這些現象打破了舞台劇圈子的封閉性，相對的，舞台劇演員亦多了拍電影的機會，其實是兩個圈子的互動開始增加。

ELLE︰剛剛大欣提到演藝學院，一直以來，APA彷彿都被視為香港舞台劇或表演藝術的殿堂，要在香港舞台劇界發展，APA就是唯一的選擇。事實上又是否如此？

大欣︰可怕的是，從前即使你在外國修讀戲劇課程，回到香港後很難在劇界找到工作。

阿杰︰讀APA就像一張入場券，因為劇界這個小圈子就是讓外界的人覺得你們不會接受APA畢業生以外的人。從前的確有這種感覺，始終那時香港沒有多少院校可以學習表演或戲劇。現在則大大改變了，在演藝學院以外增加了很多其他課程，比如浸會大學的，又或一些知名劇團例如榞劇場也有證書課程，APA已不再是唯一的選擇，我也不認為非要讀不可。

Bobby︰我並不認為APA是一個殿堂，但那裡給予我一個佷好的平台，讓我不斷練習、不斷實踐。這對從事創作，無論是演員還是導演都十分重要。

大欣︰APA還有另一個好處，除了你所說的作為一個平台、並有專業的導師指引，它還為舞台劇工作者建立了一套共同語言，譬如說我們掛在嘴邊的obstacle、action、conflict等等，當然，和不同背景的人合作多了，如從外國讀書回來的或紅褲子出身的，你會發現大家追求的東西其實是一樣的，可能是體系不同、說法不同，假如有共同的語詞可以讓溝通和討論更有效率。

ELLE︰儘管同是以演戲為職，但比起活躍於電影與電視的演員，舞台劇演員往往會被貼上各式各樣的標籤，有時是褒義的例如「專業」、「好戲」之類，有時卻是貶義的，如「誇張」、「外露」之類，你們怎樣看這些標籤？

阿杰︰其實外國並不會細分甚麼舞台演員或電影演員，就算是明星，只要有檔期也會演舞台劇，亦會拍電影、拍電視劇，因為他們是演員。不知為何，香港的情況是，你APA畢業後可能很快被發掘去拍電影，又或你畢業後去做舞台劇，過了幾年，你可能被找去拍影視作品，但之後兩者都幾乎不會回到舞台，很少會走來走去的，彷彿兩邊河水不犯井水，界線很明顯，我也不清楚為何如此。至於那些「誇張」、「動作表情很大」之類的標籤，我認為只是一種誤解，因為大家都先定性了舞台劇演員就只能有這種表演方式。

大欣︰我覺得現在的情況已經較為健康，過往轉到影視發展的演員除非萬不得已，一般很少回到舞台演出。承接阿杰剛剛提及的外國文化，其實歐美那邊很多時候只會想這是一個表演者，以丹麥影帝Mads Mikkelsen為例，他本來是一個舞者；有些人可能本來是演員，後來去做導演，又或是相反的情況，大家只會將他們視為藝術家或藝術工作者。而香港對藝術崗位的區分卻很清晰嚴格，假若你去涉足其他界別的話，你可能會被認為「不專業」。還有一種很奇怪的價值觀，譬如說你考進APA，就是選擇了藝術，要以藝術家為目標；如果中途去拍電影，你就是想做明星，代表你沒有內涵。我自己當時(讀書時）也會有這種想法，現在看來其實很扭曲。

Bobby︰其實我們入讀APA時，（課程）並沒有訂明我們是讀舞台表演的。但我覺得有一點是很明確的︰如若你要當一個明星或是踏入娛樂圈，你未必會選擇讀演藝學院這條路。因為你付出的時間，尤其是女生，要付出起碼五年的時間，那是很寶貴的青春，也可能是你最紅那幾年。另一方面，剛剛你們提到早年畢業後到影視圈發展的人回不了舞台，也許其實是他們不想回來，畢竟那時香港經濟蓬勃，影視業景氣很好，坦白說，那邊收入更好，而且接觸到的觀眾更加多，絕對無可厚非。而來到近幾年，多了很多舞台這邊的演員參與電影演出，是因為整個生態不同了，首先整體預算縮減了，而從前的天王巨星或當紅的演員亦沒有票房保證，電影製作人或創作人就會仔細考慮作品到底需要甚麼演員，例如一些有能力，可能只需一點調整就能勝任的。所以這幾年有很多我們舞台劇界的演員去到影視圈發展，亦有不少正面迴響，因為他們絕對擁有實力，只是欠一個機會。

ELLE︰以一般大眾的目光去看舞台劇，難免會將之與影視作品作比較，畢竟後者是主流，而兩者又確有相近之處。若從行內人的視角去看，兩者的分別又會是甚麼？

Bobby︰作為演員，（在拍攝影視作品時）你的本能會截然不同，需要去適應鏡頭到底正捕捉你哪一部分，簡單來說身體稍為移動一點、頭轉多一點點，可能在鏡頭前就會整個人搖擺得很厲害。在與導演或攝影溝通時，需要有多一點概念。你內心在想甚麼，那內在的過程在鏡頭捕捉下又會是怎樣，我覺得是很好玩的，你會發現比起在舞台上，你可能必須內斂很多，因為鏡頭會幫了很大的忙。

大欣︰我覺得拍近鏡、中鏡或遠鏡有很大分別，比如在遠鏡的情況，舞台劇演員會更懂得用身體去表逹；但是，舞台劇演員，或者我自己未必最掌握到近鏡或中鏡，例如框內有沒有拍你的手已經相差很遠。另一方面，我自己沒接觸過電視劇，但從拍電影與MV的經驗來看，好像懷着一個即興創作（improvisation）、帶着一種準備狀態（readiness）入片場，你的心情會愉悅很多，而且更能配合各方面；而不用去執着角色的背景一生，或咬着角色那一刻應該如何如何，因為最終的決定權往往在導演和剪接師手中，而不是在演員身上。

阿杰︰電影是導演的世界，舞台劇卻是演員的。在電影中，演員很多時候都不知道最終會採用哪一個take，因為各種電影語言，例如配樂，又或剪接時插入一個空鏡，再接去其他鏡頭，你演的已經不是連接到你當時的情緒點，很多時候都牽涉到導演的（後期）創作。而舞台呢，演員是站在最前線的，先不論演員道德的問題，即使大家也很乖，跟從導演的指示，盡力去執行，但演出永遠是即時的，很視乎各人當刻的狀態，不可能每一次都完完全全地重複導演或排練的要求，只能盡量控制，把演出維持在框架之內。的確，作為一個舞台劇演員，假若你不顧一切，你絕對可以在演出時完全把導演的方向拋諸腦後，把舞台變成自己的世界。當然這不是常見的情況（笑），但作為舞台劇導演，無論你如何說故事，最後始終是以演員為載體。

Bobby︰在觀眾面前表演時，演員其實某程度上已擔當了攝影、剪接與導演的職能。（舞台）演員有些時候要做一些選擇，例如今天的觀眾反應熱烈，我們得（把自己的節奏）抓緊一些，不能只顧取悅他們；今晚的比較冷靜，我們可能要配合一下，給多一點（力量）。舞台就是有這種游刃的空間，這亦是現場演出的好玩之處。至於舞台與影視的演出，我認為兩者的本質是一樣的，只是細節與技藝要求有些不同，而兩者是同等困難的。例如你能否在一個大近鏡中，不問因由就可以傳達一種準確的情感？還可以控制着給出自己最好看的角度？正如他們（影視演員）亦會佩服我們的技巧，還有背對白的能力等。又例如我們會較能掌握角色的建構與發展，但要我們不跟順序地跳拍，又不一定能好好地拿捏。所以是兩種不同的技巧。

阿杰︰另一個分別是，大部分電影是傾向寫實的，舉例某導演要拍一個關於農村的戲，他可以不用演員，而找一班農夫到田上做自己的工作，其他的再用鏡頭與後製配合。假若我要在舞台上做一個關於農村生活的戲，我不可能以用同樣的方法，因為舞台很多時候是寫意的。譬如有些空間，在舞台上不會以實景呈現，可能只有兩張椅子和小量道具，靠演員去表現那是甚麼空間。

大欣︰因為站在舞台劇觀眾的角度，無論是多寫實的戲、配上多寫實的佈景，加上多出色的演員也好，觀眾都清楚知道所有東西也是假的。

阿杰︰對，看舞台劇就是大家明知是買票入場去看「假」的東西，但又被它吸引，將之當成「真」，這就是舞台最有趣的magic。

ELLE︰記得由筆者接觸舞台劇開始，業界已常說要「做大個餅」，一晃眼20年，雖然演出質素有所提升，但餅卻不見得做大了，較活躍的觀眾可能仍只在三數萬之間，發展難言理想。大家認為香港舞台劇界現在最缺少或需要甚麼？

Bobby︰我覺得是「時間」。我人生演藝路上經歷過最好的作品，無論是現在的《大狀王》還是之前的《最後晚餐》，均需要很長的時間去打磨。其實對比主流影視，全世界的舞台劇都是小眾活動，只是香港有着廣東話這限制，觀眾群有限。要擴闊觀眾群，只可以用時間創作出一些更好的作品，可以做20、30場的，像我們今次的《大狀王》，質素真的好的話，就可以再做30場、40場，這樣才能吸引更多觀眾入場，慢慢改變生態。我知道不可能立即去改變，只希望能久不久便有出色的作品，將水準慢慢提升，讓我們由小眾，變為更加健康的小眾。

阿杰︰我常形容我們在「鬥快」，鬥甚麼呢？就是到底我們整個劇界的演出水平提升得快，還是觀眾覺得被騙後離開劇界快一點。認真的，我聽過太多人為了支持劇界，邀請沒看過舞台劇的朋友入場觀劇，結果對方看過一次後就說下次免問。要打破這種循環，我們需要的不是一個半個好演出，而是整體更多更多的好作品，降低大家「炒車」的機會率，他們才會留下來繼續看。

大欣︰我認為好的宣傳亦很重要，因為很多時候一些好的演出跟本不為人所知。有時候當一些演出搞很大型、符合主流美學水準的宣傳，甚至在紅隧口賣大型廣告，人們也不知道那是甚麼，又或誤以為那是電影宣傳。所以，從另一角度看，我有時寧願有一些名人明星參與演出，讓更多人知道作品的存在。